图片源于：https://www.atlantamagazine.com/news-culture-articles/meet-the-new-generation-of-atlantas-arts-leaders/
亚特兰大的五大主要艺术机构都迎来了新领导，他们的到来改变了这座城市的艺术体验。
摄影：Ben Rollins
Rand Suffolk
艺术愿景：重新聚焦于让高美术馆更像亚特兰大
每个月，高美术馆都会变成亚特兰大的热门夜总会，DJ在这里演出，调酒师调制饮品，客人在黑暗中探索并舞动着穿越艺术收藏。高频率星期五活动已经连续售罄19个月，这只是馆长Rand Suffolk重新构想亚特兰大这座顶级艺术博物馆如何反映其社区的一种方式。
2015年，Suffolk担任馆长时，高美术馆因其重大展览、强大的藏品和令人印象深刻的建筑而受到赞誉，但其观众并没有代表这个城市。
Suffolk认为，这是一种错失的机会。
“我喜欢社区里的多样性、活力和创业精神，”Suffolk说。“亚特兰大是美国逆迁移的受益者，这里有如此多的创意资本，我认为高美术馆在亚特兰大的变革中可以发挥重要作用。”
在加入高美术馆之前，Suffolk曾指导过两座博物馆，但他发现亚特兰大的市场规模更大，必须采用新颖的多方位策略。成长、包容、合作和连接是Suffolk引领高美术馆和赋权员工的四大支柱。
第一步是提高博物馆的可及性。2016年，门票价格下调。
每个月的第二个星期天和第三个星期三对公众免费开放。
但这不仅仅是经济上的可及性，更重要的是让亚特兰大人走进博物馆。
第二个星期天的家庭活动通常吸引4500人，而高频率星期五则为3000名Z世代和千禧一代提供了一个有趣的约会之夜。
Suffolk推测，一旦亚特兰大人造访博物馆，他们就会愿意定期回访。
国际知名的展览，如“洛浮宫亚特兰大”确实吸引了人们前来参观，但那些顾客可能在下次从法国运来的展览之前不会再回来。
“我们教导我们的观众，除非他们想专注于那些大型展览，否则没有其他可看之处，”他说。“从某种意义上说，这可能贬低了我们自己常设藏品中的精彩艺术。”
2018年的重新设计重新编排了超过16000件藏品，以讲述一个不同的叙述，聚焦于艺术家、女性和强烈的南方特色。
从美术馆的19世纪沙龙墙到阿拉巴马民间艺术家Thornton Dial用发现材料创作的大胆画作，这种新的布局变得更加引人入胜且易于跟随。
取得平衡的挑战在于，像2022年的奥巴马肖像展和2021年的卡尔德-毕加索联展这类大热展览证明亚特兰大能够吸引顶级人才，产生轰动效应：2019年，草间弥生的“无尽之镜”展览如此受欢迎，以至于400人为了在最后一天获得门票而在博物馆外露营。
然而，对Suffolk来说，同样重要的是，高美术馆以其本土展览而受到认可，例如2021年聚焦亚特兰大艺术家Nellie Mae Rowe的展览。
自2017年以来，大约60%的展览都展出了有色人种、LGBTQ+群体或女性艺术家的作品。到2026年高美术馆的百年庆典之际，收集多样化艺术家的作品也至关重要，为接下来的25年奠定基础。
Suffolk的策略帮助博物馆在Covid-19大流行后代表真实的亚特兰大，尽管每个文化机构都面临挑战。
去年的游客越来越年轻，其中62%在35岁以下。
当Suffolk在九年前开始时，少数族裔游客占博物馆访客的15%；如今占52%，与该城市的人口相符。接近40%的观众来自年收入低于70,000美元的家庭。
会员也随之增长。2015年，高美术馆有26,000名成员，保留率不足50%。如今，会员数量已达到41,000，保留率达70%。
“这真的令人兴奋，因为这意味着我们不仅在吸引观众，而且他们与我们的互动更加紧密，”他说。
高美术馆可能因适应城市变化而赢得了经典文化机构的声誉，但它必须继续变化以保持这一地位。
Suffolk的使命是在各个领域扩展博物馆。“对高美术馆来说，成为美国最具可及性的艺术博物馆意味着什么？”Suffolk问道。“这就是我们的工作。”
——Tess Malone
摄影：The Sintoses
Tomer Zvulun
冒险：亚特兰大歌剧院克服财务恐惧，实现国际知名
对Tomer Zvulun而言，这是一段美妙的生活。这位以色列原住民和妻子Susanna在纽约市的上西区居住，而他在大都会歌剧院担任舞台导演。这个职位让Zvulun能够在大都会歌剧院进行导演工作，同时还能够旅行到世界各地指导自由制作。
在他的旅途中，他得以在亚特兰大歌剧院导演三部作品：2009年的《飞行荷兰人》，2010年的《魔笛》和2011年的《拉美摩尔的露琪亚》。
当亚特兰大歌剧院开放其总监和艺术总监的职位时，Zvulun申请了这个职位，并于2013年开始工作。
但是他面临的挑战几乎是立即出现的。
在2008年经济衰退后，亚特兰大歌剧院不得不将年常设剧目从四部缩减为三部。公司负债累累，筹款变得困难，而董事会也感到恐慌。
Zvulun必须在董事会的规定下工作，该公司只能演出前30部歌剧。
“这对新的导演而言是一项不可能的任务，”Zvulun说道，“但我与他们的焦虑合作。”
Zvulun同意在主舞台制作三部经典歌剧，但他也想做一部小型室内歌剧，Jake Heggie的《三月的三个十二月》。
在Zvulun承诺这部歌剧的成本仅为10万美元后，他获得了批准——前提是他能够筹集到资金。一位捐助者提供了资金，这部作品获得了好评。
这开启了公司“发现系列”的旅程：现代、前沿的小型作品吸引了新观众走进歌剧。
在接下来的三年中，他采用了一种相同的模式——在主舞台制作三部主流歌剧和一到两部发现系列作品——亚特兰大歌剧院开始在2016年重回正轨，之后又能够恢复到每年四部的主舞台演出。
Zvulun的座右铭始终如一：增加艺术风险，同时降低财务风险。
随着时间的推移，该公司已逐渐突破框限，培养了一批热衷于实验和现代演出的歌剧观众，同时也提高了董事会的风险承受能力，只要附带筹款。
“随着时间的推移，董事会能信任我们的领导，并随之而来，”Zvulun说。“现在他们甚至不问我们将演出什么曲目，因为他们知道效果会很好。”
对他来说，调整节目内容并将音乐剧纳入其中证明是成功的。
“我坚信叙事的广度，”他说。“我认为歌剧可能会成为精英歌剧迷的象牙塔，我对此深感反对。”
当他在2016年安排《海盗的佩恩赞德》时，这一决定遭到一些董事会成员和捐助者的强烈批评，但其打破了出席记录，最终，他们意识到这吸引了许多首次前来的观众。
Zvulun紧接着安排了《奏鸣曲》，《西区故事》和《歌剧魅影》。参加这些演出的观众中大约有一半是首次接触亚特兰大歌剧院的观众。
发现系列持续走高。歌剧在2018年与演艺装置一起上演了强有力的《黑暗中的呐喊》，演员Tom Key参与演出。
去年的《闪灵》是与联盟剧院联合制作的，有12场演出，其中大约75%的观众是歌剧新手。
随着年预算达到1500万美元，亚特兰大歌剧院在行业服务机构歌剧美国的评选中首次跻身前10名歌剧公司。
这对Zvulun来说是一个巨大成就。
展望未来，歌剧院已上演了理查德·瓦格纳史诗四部曲《指环》前两部，最后两部计划在未来两个赛季内上演。
Zvulun希望最终能在一次瓦格纳节上同时上演四部《指环》，这希望能够吸引来自世界各地的人们。
Zvulun最初将亚特兰大视作职业踏板，但在这座城市生活了12年后，他改变了看法。
“我关心这座城市，”他说。“我的孩子在这里上学，我参与了各类组织。”他还观察到过去几年亚特兰大的艺术界经历了革命，新的艺术领导层开始显现。
“我认为这座城市是艺术组织的热土，”Zvulun说。“亚特兰大正在发生一些精彩的事情，并得到了社区的高度支持。它正在蓬勃发展，我希望这座城市成为最令人难以置信的歌剧公司的家。”
——Jim Farmer
摄影：Audra Melton
Nathalie Stutzmann
传承接力：亚特兰大交响乐团的新音乐总监带来了大胆的活力
自2022年担任亚特兰大交响乐团音乐总监以来，Nathalie Stutzmann的过去两年异常辉煌。这位获得格莱美提名的女低音歌手，转身成为了国际知名的指挥家，她在全球范围内不断赢得称赞，并曾在德国《南德意志报》中首次亮相，称赞她是“可能是我们这个时代最重要的指挥家”。
这并不令亚特兰大交响乐团的观众感到意外，他们为Stutzmann对音乐的深刻理解以及她吸引公众眼球的能力而欢呼。
亚特兰大交响乐团的执行董事Jennifer Barlament表示：“Nathalie是一位非常勇敢的艺术家，观众对她的反应热情高涨，而亚特兰大人也爱上了她。”
这些数字也证明了这一点。
亚特兰大交响乐团古典音乐会的观众出席率平均为86%，这是任何当今艺术组织的可观数据，而Stutzmann执导的演出出席率更是达到了90%以上。
订阅观众的数量也在不断上涨。
59岁的Stutzmann生于法国，父母都是古典歌唱家。她于1985年首次登台演出，并于1995年在纽约林肯中心首次亮相，1998年在卡内基音乐厅获得好评，被誉为世界上最伟大的女低音歌唱家之一。
但她内心对指挥的渴望始终没有停止，这一行业最近才逐渐迎来女性。
Stutzmann是第二位担任美国主要交响乐团指挥的女性，她被任命为亚特兰大交响乐团时的消息登上了《纽约时报》的头条。
在亚特兰大一些艺术机构的新领导者面临重组和修复工作时，Stutzmann接手的是一个艺术上蓬勃发展的实体，并敏锐地在前任的成功基础上进行发展。
“他们都是艺术家，”Stutzmann谈及她的乐团时说道。“我为我和乐团取得的成就倍感自豪。我的梦想是使他们成为最具身体参与感和情感表现力的乐团。”
“我推动他们，因为他们心中已有这种能力。我的角色仅仅是将其展现出来。”
为此，Stutzmann采用了一种独特的方法，通过为乐器演奏短句来传达她期望听到的声音，而不是使用隐喻。
乐团成员对此反响热烈，也参与到 Stutzmann 的鼓励中，学习如何用声音“创造角色”。
“即使乐手只有一个音符，也有背后的故事，”她说。“你必须打开想象力，让他们思考需要什么样的声音。”
Stutzmann的声音被描述为温暖而有力，富有感染力，她的名声在不断增强。
去年，她领导了一系列亚特兰大交响乐团的音乐会，以庆祝作曲家安东·布鲁克纳的200岁诞辰，吸引了全国各地的乐迷来到剧场。
夏季期间，一部名为《我的波莱罗》的纪录片和音乐会电影由亚特兰大交响乐团的导演Hilan Warshaw在Medici TV首映，带领观众与Stutzmann一起探索巴黎歌剧院最初编排的莫里斯·拉威尔的脍炙人口的作品。
展望未来，Stutzmann希望更加专注于大型德国和俄罗斯浪漫经典，以及法国音乐。
“他们一直是现代音乐的倡导者，”她说。“我们将继续演奏现代音乐并进行委约。但我觉得现在是个好时机，让他们回归多一些核心曲目。有很多曲目尚未被演绎。”
她兴奋地提到排练拉威尔的《古老圆舞曲》，而2024-25赛季将以古斯塔夫·马勒的第一交响曲开幕，而下一个星期将带来奥地利-博希米亚作曲家的标志性作品之一：《少年魔笛》的歌曲周期，这是亚特兰大第一次完整上演。
“潮涨则船高，”巴尔门特说道。“最终，亚特兰大交响乐团的势头有可能提升整个亚特兰大艺术和音乐界的地位。”
——Mark Thomas Ketterson
摄影：Ben Rollins
Gennadi Nedvigin
进步：亚特兰大芭蕾舞团的新愿景终于在舞台上生根发芽
八年前，当Gennadi Nedvigin担任亚特兰大芭蕾舞团第四任艺术总监时，他怀着一个使命：将他所追求的世界级芭蕾舞带到亚特兰大，并委托新作品为这一艺术形式的进步做出贡献。
他计划以自己在莫斯科的博尔乔伊芭蕾舞学院的训练及在旧金山芭蕾舞团的近二十年作为主要舞者的经验为基础，提升亚特兰大芭蕾舞团，争取与休斯顿和波士顿的芭蕾舞团平起平坐，并赢得更广泛的国际认可。
对于亚特兰大芭蕾舞团来说，这一愿景是180度的大转变。
Nedvigin的前任John McFall采取了独特的当代导向，强调创意冒险，整体运作充满了与亚特兰大本身的活力保持同步的特色，项目中包括与Outkast的Big Boi和Indigo Girls的合作，将公司的艺术边界推向前沿。
Nedvigin的“多样且多变的曲目”的理念更多地围绕古典中心展开。
即使是在他委托的芭蕾作品中，Nedvigin也倾向于在高度抛光的保守审美中推动舞者身体极限。
为了让他的愿景得以实现，Nedvigin需要提高舞者的技能水平，他知道这个过程需要几年的时间。
然而，他并没有预料到在他第一季结束时，几乎有一半的公司因对方向感的变化感到不满而离开。
此外，全球疫情及社会运动迫使公司在种族多样性方面有所增长。
尽管面临挑战和挫折，亚特兰大芭蕾舞团如今实现了他的愿景。
上一个赛季，舞者们展现出了强大的实力，演绎了多样化的曲目，既独特又具有国际相关性。
简单来说，舞蹈展现出新的结构完整性，这主要归功于Nedvigin相信扎实的古典基础对舞者至关重要。
“这些是规则，”他说，“只要做到这些，你才能找到内在的灵魂，创造艺术发展。”
对于Nedvigin来说，他招募的新舞者起初艰难，未能达到曲目所要求的专业水平。在他前两季中，尽管舞者的技术水平提高了，但大部分没有展现出长期观众期许的情感力量。
疫情造成了巨大的财政损失，其中《胡桃夹子》的预算短缺在两年内近100万美元。
舞者们在停工期间仍进行培训，并在复工时以更具激情和凝聚力的整体回归舞台。
在常驻编舞者Claudia Schreier于2021年创作的作品《七颗星》中，舞者们的身姿优雅地在空间中留下数学优雅的线条，他们的动作带有一种生动的正式美感，实至名归的狂喜来自于完成这一目标。
Schreier的加盟，她是一位黑人编舞者，是引入多样化声音的努力之一，包括来自客座编舞者、作曲家及设计师。这其中Kiyon Ross是太平洋西北芭蕾舞团的副艺术总监，将于九月推出一部世界首演作品。
然而，招募黑人表演者的困难仍然持续存在。
去年，公司拥有创纪录的9名黑人舞者在主公司和亚特兰大芭蕾舞团2中（该舞团的培训公司），其中一些已经离开，可能在新一季中被替换，既包括外部招募，也包括在学校内为不同背景的舞者建立的管道，旨在培养他们从学院步入主舞团。
在Nedvigin的带领下，他和舞者们一同成长，他现在拥有一个支持团队，并对整个组织的运作有了更广泛的理解。
“这需要的不仅仅是我，”他说。“每个环节的辛勤工作都在得到回报，这包括创作、示范、推进和培养。”
无论是舞者、艺术团队、制作、市场还是发展，他知道“组织的每个部分都很重要，他们需要知道自己受到重视。”
关于公司发展的好消息在整个芭蕾舞界传开，这也促成了新的艺术连接与创作。
上个赛季高调的项目《可可·香奈儿——时尚偶像的生活》是香港芭蕾舞团、亚特兰大芭蕾舞团和昆士兰芭蕾舞团联合制作的一个例子。
Nedvigin说：“我们已经在其他机构的眼中崭露头角，无论是大是小，他们将我们视为潜在的合作伙伴。”
——Cynthia Bond Perry
摄影：Ben Rollins
Tinashe Kajese-Bolden与Christopher Moses
双重愿景：作为罕见的联合艺术总监，他们在联盟剧院建立了自己的遗产
当Tinashe Kajese-Bolden与Christopher Moses于2022年作为联盟剧院的联合艺术总监开始工作的时，他们接手的是由Susan Booth管理了20多年的空间。
在Booth之前，由获奖导演Kenny Leon领导了十多年。
这是一个独特的组合，Moses与Kajese-Bolden表示他们依赖于对彼此观点和专长的明确信任。
并且，他们两人早已深深扎根于社区，而不是像新来者那样从零开始。
“亚特兰大是一个复杂而迷人的城市，需要很长时间才能了解，”Moses说。“了解城市需求是这个工作的核心，这驱动着我们几乎所有的决定。”
Moses与Kajese-Bolden在很小的时候就开始接触戏剧，尽管渠道截然不同。
虽然他的父母引导他进入戏剧世界，但Moses对戏剧的初步吸引来源于教堂。
“如果说实话，那可能是在我第一次参加天主教弥撒时。”他说。“他们内心深处就理解了戏剧、张力与超越。”
而Kajese-Bolden则在津巴布韦长大，她在国家成立的初期获得了表演的第一道火花。
她的父亲常常招待政治人士在餐桌旁聚会，她记得有一次在聚会上，她有机会分享一个故事，整个房间的目光都聚焦在她身上。
“那一刻，让我意识到，话语如果表达得当，确实可以产生力量。”
Kajese-Bolden于2013年搬到亚特兰大，而Moses则是第一个主动与她联系的剧场人。
她是一位出色的导演和演员，曾在当地的剧院工作，比如Synchronicity Theatre，她因执导而获得了苏兹·巴斯奖（亚特兰大的托尼奖）。在联盟剧院，她曾担任副艺术总监。
本月，Kajese-Bolden将在联盟的主舞台执导获普利策奖的剧作《山顶之路》，这部剧想象了马丁·路德·金在遭遇刺杀前的最后一个夜晚。
联盟剧院不仅是东南部最大的区域剧院，也是亚特兰大历史最悠久的剧院之一，成立于1968年。
致力于公司在承办世界首演的历史——根据其网站的数据，超过135部，其中10部已搬至百老汇——这对合作伙伴在推动这项传统上更进一步，加大了对新作品的投入。
“我们所面临的危机是低估观众，认为‘哦，这就是他们能接受的，或者是他们想要的’”，Moses说。“我们的观众非常复杂，这使得我们能够探索新的故事，而不仅仅是老经典。”
他们还希望为因电影业而涌入亚特兰大的艺术家们提供机会，同时也培育那些在这里起步的艺术家，使得本地职业能够继续蓬勃发展。
去年，他们启动了一项为在剧作上工作的家长提供免费的儿童保育计划。
当Kajese-Bolden刚来亚特兰大时，她回忆道，当联盟剧院做一部叫做“全亚特兰大演员阵容”的演出时，这是一个了不起的事情。
相比之下，如今“观众期待在我们的舞台上看到当地人才，也期待为本地导演及布景、灯光和声音设计师提供机会。”
另一个重点是吸引更广泛的观众群体，跨越种族、经济水平、年龄和地理分布。
Moses在联盟剧院担任副艺术总监和教育主任超过10年，提升了剧院的青少年项目，这一使命仍然在继续。
联盟的儿童项目以呈现超越“儿童剧”固有成见的作品而著称。
去年，改编经典童话的《进入泥土》将比阿特丽克斯·波特的《彼得兔》转变为关于土地所有权和失去安全感的沉思，这部作品的上演持续12周，售票率达到了96%。
“Moses说：“我们仍然没有达到观众对这种作品的渴求的极限。”
眼前即将出现的2016年新开设的青少年和家庭艺术空间——Goizueta舞台——预计将在2026年开放。“我们深信这会改变整个城市。”Kajese-Bolden说。“我们希望成为其他剧院的榜样，让他们相信，剧院是每个人的权利。”
——Alexis Hauk
这篇文章刊登在我们2024年9月的期刊中。
